2024

23.10.–16.11.2024 (Studio)

JOSEF ALBERS
(Bottrop 1888 – 1976 New Haven / Connecticut)
– Selected engravings on vinylite, drawings and multiples

at the same time, we will be showing:

23.10.–16.11.2024

ACCROCHAGE
artists of the gallery
– paintings, drawings, sculptures and prints

We cordially invite you and your friends to our opening
on Wednesday, the 23rd of October 2024, at 6:30 p.m.

The exhibition ACCROCHAGE will be accompanied by a fully illustrated catalogue (312 pages, Euro 10).

You also have the possibility to leaf through the catalogue
"GALERIE BOISSERÉE – HIGHLIGHTS – Katalog mit ausgewählten Werken aus den Beständen der Galerie" (PDF) virtually here.

Please see some of the works from the exhibition by Josef Albers here.

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07.11.–10.11.2024

Participation
ART COLOGNE 2024

koelnmesse

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"When I work on a cityscape, I start by arranging it in color fields. Then I add ornaments, formulations and shorthand symbols that might resemble electrical circuits. At first, you don't perceive them as distinct objects, but when you step back, you realise that it's actually a house, for instance."
Ralph Fleck

On the occasion of "DüSSELDORF COLOGNE OPEN GALLERIES 2024"
(30.08–01.09.2024)

30.08.–12.10.2024

RALPH FLECK
(born in Freiburg im Breisgau 1951)
– works on canvas

at the same time, we will be showing:

30.08.–12.10.2024

TOM HAMMICK
(born in Tidworth, UK 1963)
"Rückenfigur"
– works on canvas, woodcuts and etchings

"Perhaps, as a romantic myself, this compositional device of a figure(s) seen from behind in the foreground or middle ground of an image come both with the territory of landscape as a hanger for existential concerns and as an acausal coincidence of synchronicity , albeit one that lagged two hundred years behind this Friedrichian trope!"
Tom Hammick

We cordially invite you and your friends to our opening
on Friday, the 30th of August 2024, in the time between 6:00 and 8:00 p.m.


The artists will be present.

The exhibition by Ralph Fleck will be accompanied by a fully illustrated catalogue (96 pages, Euro 10).

You also have the possibility to leaf through the cataloque
RALPH FLECK (PDF) virtually here.

The exhibition by Tom Hammick will be accompanied by a digital catalogue.

You have the possibility to leaf through the cataloque
TOM HAMMICK (PDF) virtually here.

Special opening hours during
"DüSSELDORF COLOGNE OPEN GALLERIES 2024":
Friday 30 August 2024 10 a.m.–9 p.m.
Saturday 31 August 2024 11 a.m.–7 p.m.
Sunday 01 September 2024 1 p.m.–5 p.m.

Press release RALPH FLECK and TOM HAMMICK (German).

RALPH FLECK – Malerei

TOM HAMMICK – Rückenfigur

Das alljährliche Galerienwochenende DC-Open markiert den Auftakt der neuen Ausstellungssaison im Rheinland. Die Galerie Boisserée hat für diesen Anlass eine Ausstellung kuratiert, die erstmals die beiden Malereipositionen des renommierten Freiburger Malers Ralph Fleck und des britischen Peintre-Graveurs Tom Hammick zusammenbringt.

Mit Spannung können neue Werke aus dem Atelier Fleck erwartet werden. Der vor allem für seine Stadtansichten, die wie ein malerisches Google Maps wirken, bekannte Ralph Fleck widmet sich auch diesmal dem Motiv "Stadt". In der Ausstellung repräsentiert sich die Stadt aber nicht nur durch die gemalten Häuserreihen und Straßenschluchten, sondern Fleck hat sich dem gesamten Kosmos "Stadt" gewidmet. Neben atemberaubenden Stadtansichten gehen wir durch grüne Parks, vorbei an blühenden Hecken, treffen Touristen und trinken einen Latte Macchiato; für das Abendessen kaufen wir ein Stück Käse. Mit Fleck gehen wir auch in die Randbereiche der Stadt, dort wo es nicht pittoresk ist, sondern wo vielleicht Müll liegt und wo eine Deponie oder ein Schrottplatz zu sehen sind. Schonungslos zeigt uns der Maler auch die angegriffene, kriegszerstörte Stadt. Durch die pure Schönheit in den anderen Motiven wird umso schmerzlicher bewusst, was durch sinnlose Zerstörung verloren geht. Dabei wird deutlich, dass Fleck das umfassende Thema der Stadt und des städtischen Lebens in einem romantischen Verständnis behandelt, indem er seine Sicht auf die unmittelbare Umgebung wiedergibt, auf das was ihn bewegt und auf das, was das Leben hervorbringt und ausmacht.

So umfassend, wie Fleck mit viel Farbe seine städtischen Welten aufbaut, so tief fühlt sich Tom Hammick in die ländliche Umgebung und in die Natur ein. Diese verknüpft er auf enge Weise mit den in seinen Bildern herumwandernden Figuren. In der Ausstellung sind neue Gemälde und Holzschnitte zu sehen, in denen diese Personen in der Rückenansicht dargestellt sind. Schnell nimmt man als Betrachter die Position dieser Figuren ein, begibt sich mit ihnen durch den nächtlichen Wald, steht am Ufer oder macht sich auf den Weg zum See, um dort im Mondschein zu schwimmen. Diese unspezifischen Gegenden, in die Hammick uns zumeist nachts entführt, schwanken zwischen Vertrautem und Fremdem, mal folgt man gerne, wie auf dem dunklen Weg zum hell erleuchteten Studio des Künstlers, mal fühlt man sich verloren. Die Rückenfigur, wie auch die Ausstellung heißt, ist ein uraltes künstlerisches Stilmittel. Sie geht uns mutig voran. In anderen Motiven steht sie der Erhabenheit der Natur gegenüber und so wird uns klar, dass in dem Raum, der sich zwischen der Figur und der Natur auftut, eine Sehnsuchtsperspektive entsteht, die es uns möglich macht, unsere Innenwelt auf die Außenwelt zu projizieren.

Ralph Fleck (*1951) war bis 2015 Professor für Malerei an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. Seine Werke werden international ausgestellt und befinden sich in zahlreichen Sammlungen. Er lebt und arbeitet in Freiburg im Breisgau.
Tom Hammick (*1963) ist ein in Großbritannien renommierter Maler. Seine druckgraphischen Werke erarbeitet er in der aufwendigen Technik des Reduktionsholzschnittes. Bis 2019 lehrte er Druckgraphik an der University of Brighton. Hammick war im Januar 2024 Stipendiat an der Josef und Anni Albers Foundation in Bethany Connecticut/USA.

Die Ausstellung ist bis zum 12. Oktober 2024 zu sehen. Zur Ausstellung erscheint ein begleitender Katalog mit den Werken von Ralph Fleck.




"While drawing in front of Caspar David Friedrich's deeply moving paintings in an exhibition dedicated to his landscapes at the Nationalgalerie in Berlin recently, I had a personal epiphany about his uniformity of style. It dawned on me that he understood, however subliminally, that style across all the visual mediums in his oeuvre, was key to integrating his self to the world and the infinite beyond. It seemed a case that his own individual artistic language transformed his autobiographical personal experiences into something much more heightened and mysterious. Like a great poet, I found the visual descriptions in his work of personal friendships and love, framed in such epic surroundings, enabled me to ask questions that relate to my fleeting existence.

Why this obsession with Casper David Friedrich; to the extent that my exhibition at Galerie Boisserée is named after the motif of 'Rückenfigur', that he developed into a key component of his painting and that was taken on later by other artists in the Romantic Movement? Perhaps, as a romantic myself, this compositional device of a figure(s) seen from behind in the foreground or middle ground of an image come both with the territory of landscape as a hanger for existential concerns and as an acausal coincidence of synchronicity , albeit one that lagged two hundred years behind this Friedrichian trope! Does the use of Rückenfigur mean as an artist I can cajole the viewer into identifying with my painted and printed figures? And thereby with me? Does this compositional matrix help me share my own autobiographical experiences and pass them on as universal concerns about wonderment, the never ending sky, the infinite cosmos, and helps me attempt to convey questions about love and loss and ideas of home, and where home might be? Is it even possible to have a home beyond us being dwellers on Earth? In all this, can it be a device that links the specific to the universal?

As a young undergraduate in the early 80's studying Art History, I enjoyed a new approach to a sort of morphic resonance of picture making based on visual ideas rather than fact based research of chronology, provenance and geographical connections around influence and appropriation. As a would be painter, I liked to connect style, content and approaches of presenting visual information, across time zones and beyond the Western tradition. This was freeing. Max Baxendal, John Berger and Robert Rosenblum lead the way at the time. But it was Rosenblum's book Modern Painting and The Northern Romantic Tradition : Friedrich to Rothko that blew me away. He recognised how radical Friedrich's paintings were and still are to us contemporary painters, whether we be figurative or not.

In discussing Friedrich and my own work, the writer Adam Nicholson observed, "Looking at the painting of a figure looking out at the world makes us identify with that figure. He is alone, we are alone. But we are alone together. That shared loneliness both demonstrates our cosmic marooning and soothes it. The emptiness of loss is fused with the consolations of calm so that sorrow is filled with sweetness. And there is the darkness of the figure in the lit world. So it has luminosity, he has absorbency."

Tom Hammick, London, July 24

Please see all of the works from the exhibition
RALPH FLECK here.

Please see most of the works from the exhibition
TOM HAMMICK here.

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27.07.–17.08.2024

ACCROCHAGE
artists of the gallery
- paintings, drawings, sculptures and prints

ACKERMANN   ALBERS   AVRAMIDIS   BASELITZ   BAUMGARTNER   BOURGEOIS   BRAQUE   BRODWOLF   CAULFIELD   CHAGALL   CHILLIDA   CHRISTO   CLAVÉ   CLÉMENT   CORNEILLE   CRAIG-MARTIN   CRUZ-DIEZ   DAHMEN   DAVENPORT   DOIG   ERNST   ESTÈVE   FLECK   FRANCIS   HAMILTON   HAMMICK   HARTUNG   HIRST   HOCKNEY   HUGHES   INDIANA   JUDD   KATZ   KAWS   KLINGE   KNOEBEL   LÉGER   LEWITT   LICHTENSTEIN   LONGO   MAGRITTE   MAN RAY   MARINI   MARTÍN DE LUCAS   MATISSE   MELLADO   MIRÓ   MOTHERWELL   MUNCH   NASH   NEWTON   NICHOLSON   OPIE   PICASSO   PIJUAN   POLIAKOFF   RIERA I ARAGÓ   SALCEDO   SAURA   SCHUMACHER   SCULLY   SOULAGES   TÀPIES   UECKER   VENET   VOSS   WARHOL   WENDELS   WESSELMANN   WOU-KI ZAO

ILLUSTRIERTE BÜCHER   VINGT-DEUX POÈMES   HÄUSER – HOUSES   BOISSERÉE GOES POP

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The exhibition takes place with the kind support of Chillida Leku, Hernani.

The exhibition takes place under the patronage of the Embassy of Spain, Berlin.

"My life and my work have always consisted
of trying to do what I did not know how to do,
and so I have spent my time questioning, doubting, searching."

Eduardo Chillida
Museo Chillida Leku, Hernani 2005

On the occasion of the 100th anniversary of the artist

22.05.–20.07.2024

EDUARDO CHILLIDA
(San Sebastián 1924 – 2002 San Sebastián)
– Selected works on paper and from the graphic œuvre

We cordially invite you and your friends to our opening
on Wednesday, the 22nd of May 2024, at 6:30 p.m.

Guest speaker:
Dr. Andrea Firmenich,
Johannes Schilling

The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue (132 pages, Euro 10).

You also have the possibility to leaf through the cataloque (PDF) virtually here.

Special opening hours during
K1 Galerien Köln:
Friday 7 June 2024 6 p.m. – 10 p.m.

EDUARDO CHILLIDA
Anlässlich des 100. Geburtstages des Künstlers – Ausgewählte Arbeiten auf Papier und aus dem graphischen Œuvre

Am 10. Januar 2024 wäre Eduardo Chillida 100 Jahre alt geworden. Das gesamte Jahr 2024 steht im Zeichen dieses außergewöhnlichen Bildhauers und Graphikers. So widmet ihm auch die Galerie Boisserée eine umfassende Ausstellung.

Eduardo Chillida war intensiv von den Phänomenen und Bezügen des Raums und der Zeit bewegt und hat sein gesamtes künstlerisches Schaffen auf diese komplexen Beziehungen konzentriert. Wie keinem anderen ist es ihm gelungen, die Formensprache seiner Skulpturen in druckgraphischen Werken erkennbar und nachvollziehbar zu machen. Ein permanent Suchender und jeden Tag neue Erkenntnisse findender Künstler wie Chillida arbeitet auch in einem uralten, klassischen Medium wie die Druckgraphik nicht nach überkommenen Vorgaben. Chillida hat die Druckgraphik durchdrungen und erweitert, so wie er auch den Raum mit seinen Skulpturen erweitert hat. Durch die klare Reduktion auf Schwarz und Weiß, durch komprimierte Darstellung und durch markante Prägungen im Papier gelingt es ihm, Räumlichkeit auf der zweidimensionalen Fläche zu erzeugen. Es sind keine konstruierten oder perspektivischen Räume, sondern Räume, die durch Aussparungen in den schwarzen, materiehaft verdichteten Flächen entstehen.

Chillidas graphische Werke sind keine Vorbereitungen, keine Studien und erst recht keine Abbildungen seiner Skulpturen. Sie stehen für sich und sind konkreter Natur. Sie verleiten den Betrachter dazu, sich selbst einen Weg durch die komprimierte Darstellung zu bahnen. So lassen sich die Kraft, die Leere, die Zeit und die Rhythmik erspüren. Die Motive berühren, denn vor den Werken spürt man, dass Chillida sich intensiv mit Architektur und Raum, mit Rhythmus und Musik und auch mit Mystik und Philosophie auseinandergesetzt hat. Immer wieder widmete er Arbeiten Persönlichkeiten, die ihn inspirierten: Johann Sebastian Bach, Martin Heidegger, Omar Khayyam.

Die Galerie Boisserée hat in den letzten Jahren eine umfangreiche Sammlung an druckgraphischen Werken aufgebaut, sodass in der Ausstellung Werke von 1962 bis 2000 gezeigt werden können. Um den Werkkosmos Chillidas umfänglich erfahren zu können, werden auch Papierunikate und Terrakotta-Skulpturen zu sehen sein.

Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft der Botschaft von Spanien. Zur Eröffnung am 22. Mai 2024 spricht Frau Dr. Andrea Firmenich, Generalsekretärin der Kulturstiftung Nordrhein-Westfalen und Johannes Schilling, Galerie Boisserée.

Die Ausstellung ist bis zum 20. Juli 2024 zu sehen. Zur Ausstellung erscheint ein begleitender Katalog.

Press release (German)

Please see all of the works from the exhibition here.

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"What can I say that my works don't?"
Imi Knoebel

23.03.–04.05.24 (Studio)

IMI KNOEBEL
(born in Dessau 1940)
"ANIMA MUNDI"

The gallery will participate in ART DüSSELDORF 2024 from Friday, the 12th of April until Sunday, the 14th of April 2024.

Press release (German)

"ANIMA MUNDI"
IMI KNOEBEL

Von Anfang an suchte Imi Knoebel nach einer bildnerischen Darstellung frei von Inhalt und figurativer Form. Dies gelang ihm nicht nur, er führt diese künstlerische Suche und Haltung bis heute konsequent fort. Zeigte er anfänglich noch auf Schwarz und Weiß reduzierte Darstellungen sowie Werke aus unbearbeiteten Hartfaserplatten, so hielt bald die Farbe Einzug in seine Bildwelt. Es folgte eine tiefe Auseinandersetzung mit den Beziehungen zwischen Raum, Farbe und Material.

Es ist uns gelungen, einige wunderbare Serien der Reihen "Alte Liebe", "Neue Liebe" sowie "Anima Mundi" für die aktuelle Ausstellung in der Galerie Boisserée zu erwerben. Unter dem Titel "ANIMA MUNDI" sind diese nun bis zum 27. April 2024 zu sehen. Das naturphilosophische Konzept einer Weltenseele (Anima Mundi), das auf der Annahme einer Analogie zwischen dem Makrokosmos (Universum) und dem Mikrokosmos (Mensch) basiert, ist Namensgeber zahlreicher Serien in Knoebels Werk.

In der Ausstellung spürt man sofort, wie vielschichtig und subtil Knoebels Bildräume auf den Betrachter wirken. Die Präsenz der Farben und die klare Gegenüberstellung der unterschiedlichen Farbwerte durch die einfachen Flächen ist überraschend und fokussiert den Blick auf den einzelnen Farbwert.

Knoebel arbeitet in den gezeigten Serien mit handbemalten Acrylfolien. Ein größeres, rechteckiges oder quadratisches Mittelfeld wird umrahmt von schmalen Farbstreifen, die klar um das Mittelfeld gesetzt werden wie ein Rahmen. In anderen Arbeiten sind diese Streifen in mehreren Schichten übereinander gelagert und verlassen die Zweidimensionalität. Durch die Konzentration auf die Farben und die einfachen Formen erfährt der Betrachter auch die Bedeutung des seriellen Arbeitens, das für Knoebels Gesamtwerk ebenfalls ein relevanter Aspekt ist.

Begleitet wird diese Ausstellung durch eine Accrochage mit Arbeiten aus den Galeriebeständen und einigen Neuerwerbungen, die in den anderen Räumen der Galerie Boisserée zu sehen ist.

Die Studio-Ausstellung und die Accrochage sind bis zum 27. April 2024 zu sehen.
Die Galerie Boisserée nimmt vom 12. bis 14. April 2024 an der ART DÜSSELDORF (Areal Böhler) teil.

Please see all of the works from the exhibition here.

At the same time we will show in the other rooms and windows of the gallery:

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23.03.–04.05.24

ACCROCHAGE
artists of the gallery
- paintings, drawings, sculptures and prints

The gallery will participate in ART DüSSELDORF 2024 from Friday, the 12th of April until Sunday, the 14th of April 2024.

For the exhibition you have the possibility to leaf through the gallery-catalogue (PDF) virtually here.

ACKERMANN   ALBERS   AVRAMIDIS   BASELITZ   BAUMGARTNER   BOURGEOIS   BRAQUE   BRODWOLF   CAULFIELD   CHAGALL   CHILLIDA   CHRISTO   CLAVÉ   CLÉMENT   CORNEILLE   CRAIG-MARTIN   CRUZ-DIEZ   DAHMEN   DAVENPORT   DOIG   ERNST   ESTÈVE   FLECK   FRANCIS   HAMILTON   HAMMICK   HARTUNG   HIRST   HOCKNEY   HUGHES   INDIANA   JUDD   KATZ   KAWS   KLINGE   KNOEBEL   LÉGER   LEWITT   LICHTENSTEIN   LONGO   MAGRITTE   MAN RAY   MARINI   MARTÍN DE LUCAS   MATISSE   MELLADO   MIRÓ   MOTHERWELL   MUNCH   NASH   NEWTON   NICHOLSON   OPIE   PICASSO   PIJUAN   POLIAKOFF   RIERA I ARAGÓ   SALCEDO   SAURA   SCHUMACHER   SCULLY   SOULAGES   TÀPIES   UECKER   VENET   VOSS   WARHOL   WENDELS   WESSELMANN   WOU-KI ZAO

ILLUSTRIERTE BÜCHER   VINGT-DEUX POÈMES   HÄUSER – HOUSES   BOISSERÉE GOES POP

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12.04.–14.04.2024

Participation
ART DüSSELDORF 2024

Areal Böhler, Hansaallee 321, Düsseldorf

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31.01.24–16.03.24 (prolonged)

"SILENCE – STILLE"

JOANNIS AVRAMIDIS
KARL FRED DAHMEN
JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN

We cordially invite you and your friends to our opening
on Wednesday, the 8th of Novemver 2023, at 6:30 p.m.

The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue (60 pages, Euro 10).

You also have the possibility to leaf through the cataloque (PDF) virtually here.

Press release (German)

"SILENCE – STILLE"

In der Ausstellung "SILENCE – STILLE" zeigt die Galerie Boisserée erstmals eine Zusammenschau der Werke von Joannis Avramidis, Karl Fred Dahmen und Joan Hernández Pijuan. Während die Werke von Dahmen und Pijuan seit langen Jahren zum festen Ausstellungskanon der Galerie gehören, ist die Präsentation von Avramidis' Plastiken ein Novum.

So unterschiedlich die Werke des Bildhauers und der beiden Maler auf den ersten Blick auch sein mögen, so bestechen die Arbeiten durch eine stille und gleichzeitig kraftvolle Aura. Diese in sich ruhende Präsenz, die von den Werken ausgeht, führte zu dem gemeinsamen Ausstellungskonzept unter der sich im Titel wiederspiegelnden gedanklichen Klammer der Stille.

Joannis Avramidis (1922 Batumi – 2016 Wien) konzentrierte sich auf die abstrahierte Darstellung des menschlichen Körpers. Seine Figurengruppen und Köpfe sind auf eine strenge Form reduziert. Trotz ihrer Hermetik bleiben sie über ihre ruhige Ausstrahlung für den Betrachter zugänglich. Die Virtuosität, mit der Avramidis sich zwischen Abstraktion, Formenreduktion und offener Präsenz bewegt, beruht auf einer kontinuierlich erarbeiteten bildhauerischen Formel, die sein Werk in der europäischen Bildhauerei einzigartig macht.

Karl Fred Dahmen bringt seine tatsächliche Umgebung, die von Menschenhand geprägte Landschaft auf die Leinwand. Die Entdeckung landschaftlicher Strukturen führte ihn zu einer erdgebundenen Farbigkeit und eröffnete ihm die Möglichkeit, die Farbfläche in die dritte Dimension aufzubrechen. Die durch den pastosen Farbauftrag erzielte raue Bildoberfläche wird zur Materie, die weit über die Bildgrenzen hinaus in den Raum hineinwirkt.

Joan Hernández Pijuans Arbeiten mit reduzierten, lyrisch anmutenden Linien, erinnern an Ackerfurchen und Wege. Die Häuser, Bäume oder Wolken sind so vereinfacht dargestellt, dass man vor dem Bild spürt, wie stark der Künstler die Landschaft verinnerlicht hat. Seine Bilder sind eine Essenz des täglich gesehenen, seine Darstellungen sind so stark komprimiert, dass der Betrachter sofort eintaucht und den Landschaftsraum selbst zu erleben scheint.

The gallery will be closed because of Karneval from the 8th until the 13th of February 2024.


The gallery will participate in the IFPDA Print Fair in The Park Avenue Armory in New York from the 15th until the 18th of February 2024.

Please see all of the works from the exhibition here.

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15.02.–18.02.2024

Participation
IFPDA PRINTFAIR 2024 New York

The Park Avenue Armory, New York

"It used to worry me that by splitting my time equally between painting and printmaking in two separate studios, I was somehow diminishing my practice. Why not simply paint? Why take the trouble with printmaking? But I don't feel this any more. In my lifetime, the more experimental and ambitious aspects of printmaking has seen the medium rise from something that was rather looked down on, especially in Britain, to one, in many contexts, that now has an equal footing with painting.

Look at the growth in popularity of Munch's printmaking alongside his painting, the dovetailing of Hockney's oeuvre, the work of Kiki Smith, Prunella Clough and Etel Adnan as examples of balanced practices in a variety of mediums. At the same time, the making of other traditionally more craft-based objects – ceramics, both sculptural and utilitarian, weaving and tapestry and the design and making of artisan clothing – are all forms of creativity now in mainstream ascendency. The traditional hierarchy of the visual arts seems to be breaking down.

I am keen on this state of affairs: more democratic and less gendered forms of making are back in the mix, and there is much more cross-fertilisation by artists picking and choosing their means of expression across this wider range of visual options.

For me, painting and printmaking are just different ways of making an image, requiring quite separate and idiosyncratic methods of preparation and execution. And while these forms of picture-making do require dissimilar heads and hearts, I try to cross-check painting's freshness into the mark-making and colour intensity of my etchings and woodcuts; and I enjoy bringing the more zen-like compartmentalised staging processes of printmaking into the way I build a painting.

Perhaps it is the Albers Foundation residency, of which I am the lucky current recipient, up in snow-covered woods in Bethany, Connecticut, that has allowed me to forgive myself for my own schizophrenic double-practice image-making. Being here, I have a growing realisation that the popularity and re-evaluation of Anni Albers' work, showcased a few years ago at Tate Modern in London, is one of the many influences in this new post-MeToo era of a much more diverse art world practice. A walk around galleries, museums and art fairs showcasing contemporary work will demonstrate the beginnings of the dismantling of the old pyramidal visual art leader board, with painting and sculpture at the apex, and various craft-based practices at the base, printmaking included.

This little grouping of selected works from the past four years on Galerie Boisserée's stand at the IFPDA Print Fair 2024 at The Armory in New York, is by definition and necessity an exhibition of woodcuts and etchings. All of the works reproduced here are on the stand, with the exception of a few images of paintings. Their inclusion in this poster catalogue is to contextualise the prints in the wider range of my practice.

In both print and painting, I celebrate the human condition, above all in the realms of love and loss, set in the frame of an existential crisis we all face, in which the Edenic world that has succoured us has been pushed to its knees. That is the interconnected exploration in both print and painting that I am passionate about – how our lives as loving, generous, involved human beings, subject to so much hurt, can look for and even find their validity, their happiness, in a world to which we are doing and have done so much damage."

Tom Hammick
Resident Artist
The Albers Foundation
Bethany Connecticut.
January 2024

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"I find pop art really offensive because it's taking a piece of popular culture and putting it somewhere where people can't see it."
Rebecca Sugar

08.11.23–06.01.24

"BOISSERÉE GOES POP"

– Ausgesuchte Graphiken und Multiples u.a. von

PATRICK CAULFIELD

RICHARD HAMILTON

ROBERT INDIANA

ROY LICHTENSTEIN

ANDY WARHOL

TOM WESSELMANN

We cordially invite you and your friends to our opening
on Wednesday, the 8th of Novemver 2023, at 6:30 p.m.

The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalogue (66 pages, Euro 10).

You also have the possibility to leaf through the cataloque (PDF) virtually here.

Press release (German)

"BOISSERÉE GOES POP"

Bereits in 2015 begründete die Galerie Boisserée die Ausstellungreihe "BOISSERÉE GOES POP". Gezeigt wurden ikonische Werke der Pop Art von Robert Indiana, Roy Lichtenstein, Andy Warhol und Tom Wesselmann.
Werke der Pop Art gehören zum künstlerischen Portfolio der Galerie Boisserée und werden sowohl in der Dauerpräsentation als auch in Einzel- und Gruppenausstellungen kontinuierlich gezeigt. Mit "BOISSERÉE GOES POP" blickt die Galerie nun erneut mit konzentriertem Fokus auf eine der relevantesten kunsthistorischen Positionen des 20. Jahrhunderts.

Denkt man an Pop Art oder betrachtet Werke der Pop Art, geht das oft mit dem Gefühl einher, moderne, fast zeitgenössische Darstellungen zu sehen. Dabei sind die Künstler und die Werke aus heutiger Sicht fast schon historische Positionen, es sind Klassiker einer Kunstrichtung, die in den sechziger Jahren des 20. Jahrhunderts ihren Ausgangspunkt nahm. Es ist die einzigartige Frische, die plakative Darstellung, die starken Farben und die eindrücklichen Motive von höchster Klarheit, was diese Werke so zugänglich und aktuell erscheinen lässt. Dazu gesellt sich die hohe Wiedererkennbarkeit dieser Werke, die sich gleichsetzten lässt mit der öffentlichen Wahrnehmung von Markennamen oder Zeichen. Es ist immer wieder überraschend, wie frisch und präsent diese Arbeiten auf uns wirken.

Beim Besuch in der Galerie Boisserée ist eine beachtliche Auswahl an großformatigen Stillleben und Aktdarstellungen von Tom Wesselmann zu sehen.
Ein besonderes Highlight sind die Siebdrucke von Andy Warhol, die vor allem in den Werken "Diamond Dust Shoes (black) " von 1980 oder in einer überwältigenden Darstellung des Kölner Doms in "Cologne Cathedral " mit aufgetragenem Diamantstaub zu einer neuen Form der Bildpräsenz gelangen.
Druckgraphische und skulpturale Werke von Robert Indiana sowie ikonische Arbeiten von Roy Lichtenstein, wie beispielsweise die Arbeit "Brushstroke " aus dem Jahr 1965 sind nur einige Beispiele aus dieser vielfältigen Präsentation.

Die Ausstellung wird am Mittwoch, 8. November 2023 um 18.30 Uhr eröffnet und ist bis zum 6. Januar 2024 in der Galerie Boisserée zu sehen.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, der in der Galerie erworben werden bzw. auch online durchgesehen werden kann.

Please see all of the works from the exhibition here.