2016

"Wie Mond und Sonne waren sie gewesen.
Mild der eine - strahlend der andere."
Daniel-Henry Kahnweiler

26.11.2016–14.01.2017

GEORGES BRAQUE -

PABLO PICASSO

Zwei Bildwelten

Arbeiten aus dem graphischen Œuvre

Zur Eröffnung am Samstag, den 26. November 2016 von 11.00 bis 15.00 Uhr
laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich zu einem Glas Crémant ein.

Zur Ausstellung erscheint ein digitaler Katalog den Sie hier Katalog als PDF virtuell durchblättern können (linke Maustaste - online durchblättern oder rechte Maustaste downloaden - Empfehlung: downloaden) - der Katalog ist als PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden. Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter folgender Adresse downloaden: http://www.adobe.de.

GEORGES BRAQUE - PABLO PICASSO

Zwei Bildwelten
Arbeiten aus dem graphischen Œuvre

"Wie Mond und Sonne waren sie gewesen. Mild der eine – strahlend der andere."
(Daniel-Henry Kahnweiler)

Braque und Picasso – mit ihren unterschiedlichen Temperamenten – verbindet der Kubismus, als deren Begründer sie gelten und in dessen Zeit sie nicht nur stilistisch sehr ähnlich gearbeitet haben, sondern auch befreundet waren: der stille, reflektierende, 1882 in Argenteuil-sur-Seine geborene Franzose Georges Braque und der impulsive, spontane, 1881 in Málaga geborene Spanier Pablo Picasso. Doch bereits im ersten Weltkrieg nimmt ihre Malerei eine recht unterschiedliche Entwicklung. Das, was die Künstler weiterhin gemeinsam haben, ist ihre große Liebe zur Graphik und – aus dieser resultierend – ihr viel beachtetes graphisches Œuvre, welches sie in ganz unterschiedlichen Bildwelten geschaffen haben. Die Ausstellung versucht, diese Bildwelten mit ausgesuchten graphischen Arbeiten nachzuzeichnen.

Georges Braque
Von Braque wird vornehmlich das graphische Spätwerk nach dem 2. Weltkrieg vorgestellt, das sich der klassischen graphischen Drucktechniken wie Radierung, Lithographie und Holzschnitt bedient. Braque lässt in seinen Blättern alles Nebensächliche weg und schafft mit seinen Graphiken ein sinnenhaftes Er- und Begreifen der Wirklichkeit. Gerade die Selbstverständlichkeit, mit der er in zunehmender Abstraktion Stillleben, Vogeldarstellungen oder Motive der griechischen Mythologie kraftvoll umsetzt, zeichnet sein spätes graphisches Schaffen aus. Dessen Betrachtung macht Harmonie, stilistische Sicherheit, Erfahrung, Klarheit, Würde und Weisheit eines großen "peintre-graveurs" des 20. Jahrhunderts erfahrbar.
Sein handwerkliches Können im Umgang mit der Radiertechnik, der Aquatintaradierung, dem Holzschnitt und der Farblithographie, aber auch seine Kreativität in der Anwendung ungewohnter Techniken (z.B. die nachträgliche Verformung einer Lithographie durch eine speziell dafür geschaffene Prägeplatte, Kat. Nr. 54) unterstreichen die faszinierende Wirkung, die von seinen Blättern ausgeht. Seine meist farbigen Graphiken wirken im Gegensatz zu den Arbeiten von Picasso nicht spontan entstanden, sondern eher konstruiert und geplant. 1960 wird die erste vollständige graphische Retrospektive in Genf und danach in der Bibliothèque nationale de France in Paris gezeigt, drei Jahre danach stirbt Georges Braque am 31. August in seiner Pariser Wohnung.

Pablo Picasso
Kaum ein Maler des 20. Jahrhunderts hat die Graphik als künstlerisches Medium mehr geschätzt als Pablo Picasso. Seine Liebe zur Radierung, zur Lithographie oder zum Linolschnitt drückt sich in seinem umfangreichen graphischen Œuvre aus. Im Gegensatz zu Braque schafft es Picasso, die Spontanität und Impulsivität seines Charakters in sein graphisches Œuvre einfließen zu lassen, z.B. Kat. Nrn. 14 und 40). Das direkte Zeichnen mit der Nadel im Wachs, der auf der zu ätzenden Kupferplatte liegt, oder mit der Lithotusche auf der Steinplatte, bewirkt Lebendigkeit, Unmittelbarkeit und Authentizität.

Schwerpunkt der ausgestellten Arbeiten sind Lithographien, die Picasso unmittelbar nach dem zweiten Weltkrieg zusammen mit den Brüdern Mourlot schuf. Darunter finden sich verschiedenste Themenkreise wie der weibliche Akt, Porträts, Liebespaare, Stillleben, Stierkampf, Vögel und Tiere, Faune und Fabelwesen.

Als Besonderheit für den bibliophilen Sammler werden zwei kostbare, illustrierte Bücher von Picasso ausgestellt: ein vollständiges Exemplar der "La Tauromaquia o Arte de torear",Picassos schönstem Buch zum Stierkampf mit insgesamt 26 Aquatintaradierungen (Kat. Nr. 50), und "El entierro del Conde de Orgaz",einem Buch mit 12 Radierungen aus dem graphischen Spätwerk, das zum 88. Geburtstag des Künstlers am 25. Oktober 1969 erschien (Kat. Nr. 79).

Begleitend zu der Ausstellung liegen ein kleiner illustrierter Katalog mit allen Exponaten vor, außerdem die gebundenen Kataloge (Hardcover) der letzten beiden Einzelausstellungen von Braque und Picasso in der der Städtischen Galerie/Paderborn, Schloss Neuhaus.

Sie können sich alle Exponate der Ausstellung hier ansehen - Georges Braque

Sie können sich alle Exponate der Ausstellung hier ansehen - Pablo Picasso

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17.11.–20.11.2016

Teilnahme

Cologne Fine Art 2016

koelnmesse

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29.10.–19.11.2016

ACCROCHAGE

Neuankäufe und ausgewählte Exponate aus den Beständen

ACKERMANN ALBERS BASELITZ BAUMGARTNER BOTERO BOURGEOIS BRAQUE BRODWOLF CAULFIELD CHAGALL CHILLIDA CHRISTO CLAVÉ CLÉMENT CORNEILLE DAHMEN DAVENPORT DOIG ERNST ESTÈVE FLECK FRANCIS HARTUNG HOCKNEY HUGHES INDIANA JUDD KATZ KLINGE KNOEBEL KOUNELLIS LÉGER LEWITT LICHTENSTEIN LONGO MAGRITTE MARINI MATISSE MELLADO MIRÓ MOTHERWELL NEWTON NICHOLSON OPIE PICASSO HERNÁNDEZ PIJUAN POLIAKOFF SAURA SCHUMACHER SCULLY SOULAGES STöHRER TÀPIES VOSS WARHOL WENDELS WOU-KI ZAO

Am Samstag, den 29. Oktober 2016 von 11.00 bis 15.00 Uhr
laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich zu einem Glas Sekt ein.
Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

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03.11.–06.11.2016

Teilnahme

ifpdaprintfair 2016 New York

The Park Avenue Armory, New York

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Anlässlich der "DüSSELDORF COLOGNE OPEN GALLERIES 2016"
(02.–04.09.2016)

"Die Farbe ist das Physische des Bildes,
zugleich aber auch sein Geist und seine Seele ..."
Jan Voss

02.09.–22.10.2016

JAN VOSS

– Arbeiten auf Leinwand und Papier

Zur Eröffnung am Freitag, den 2. September 2016 um 18.30 Uhr
laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein.

Der Künstler ist anwesend.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog.
Für den Betrag von Euro 10 senden wir Ihnen den Katalog im Inland gerne zu.
Der Katalog ist ebenfalls in der Galerie Boisserée erhältlich.

Außerdem haben Sie hier auch die Möglichkeit den Katalog als PDF virtuell durchzublättern (linke Maustaste - online durchblättern oder rechte Maustaste downloaden - Empfehlung: downloaden) - der Katalog ist als PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden. Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter folgender Adresse downloaden:http://www.adobe.de.

Alternativ können Sie sich den Katalog als ISSUU (e-publication) online anschauen.

Pressetext zur Ausstellung von Jan Voss (linke Maustaste – online durchblättern oder
rechte Maustaste downloaden – Empfehlung: downloaden) – der Text ist als
PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden.

Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter
folgender Adresse downloaden: http://www.adobe.de.

JAN VOSS – WERKVERZEICHNIS

Thomas Weber (bereits Autor des Werkverzeichnisses des Künstlers Karl Fred Dahmen) wird im Auftrag des Künstlers Jan Voss (geb. 1936 Hamburg) in den kommenden Jahren dessen Œuvrekatalog erstellen.
Wir bitten alle Eigentümer und Besitzer von Werken von Jan Voss, für die Registrierung ihrer Arbeiten mit uns in Kontakt zu treten.
Im Werkverzeichnis sollen alle Unikate (Gemälde, Objekte, Plastiken, Collagen und Zeich-nungen) möglichst vollständig erfasst werden.
Diskretion wird selbstverständlich zugesichert.

Bitte wenden Sie sich an:
ŒUVRE JAN VOSS, Thomas Weber, c/o Galerie Boisserée,
Drususgasse 7-11, D - 50667 Köln, Tel. +49-(0)221-2576662, info@janvoss.org

Sie können sich fast alle Exponate der Ausstellung hier ansehen.

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August 2016

ACCROCHAGE

Neuankäufe und ausgewählte Exponate aus den Beständen

ALBERS BASELITZ BAUMGARTNER BRAQUE BRODWOLF CHAGALL CHILLIDA CHRISTO CLAVÉ CORNEILLE DAHMEN DOIG DUBUFFET ERNST ESTÈVE FLECK FRANCIS HARTUNG HOCKNEY HUGHES INDIANA JUDD LÉGER LEWITT LICHTENSTEIN MARINI MATISSE MELLADO MIRÓ MOTHERWELL NAY NEWTON NICHOLSON OPIE PICASSO POLIAKOFF SAURA SCHUMACHER SCULLY SOULAGES STöHRER TÀPIES VOSS WARHOL WENDELS

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"What an artist is trying to do for people
is bring them closer to something ..."
David Hockney

08.06.–30.07.2016

MADE IN BRITAIN

Michael Craig-Martin, David Hockney, Patrick Hughes & Julian Opie

MICHAEL CRAIG-MARTIN

DAVID HOCKNEY

PATRICK HUGHES

JULIAN OPIE

Zur Eröffnung am Mittwoch, den 8. Juni 2016 um 18.30 Uhr
laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog.
Für den Betrag von Euro 10 senden wir Ihnen den Katalog im Inland gerne zu.
Der Katalog ist ebenfalls in der Galerie Boisserée erhältlich.

Außerdem haben Sie hier auch die Möglichkeit den Katalog als PDF virtuell durchzublättern (linke Maustaste - online durchblättern oder rechte Maustaste downloaden - Empfehlung: downloaden) - der Katalog ist als PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden. Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter folgender Adresse downloaden:http://www.adobe.de.

Alternativ können Sie sich den Katalog als ISSUU (e-publication) online anschauen.

MADE IN BRITAIN

Gemeinsam ist den ausgestellten Arbeiten die unmittelbare Präsenz. Alles ist einfach und lesbar geordnet und steckt voller komplexer Wechselwirkung zwischen Realität und Illusion. Die Bilder begreifen das Wesen der Dinge und Figuren in ihrer einfachsten Form und eignen sich dennoch nicht, einfache Aussagen über unsere Gegenwart zu machen. Und immer wieder bleibt es dem Betrachter vorbehalten, das im Werk Angelegte zu ergänzen und zu vollenden. Es ist ein Wechselspiel von Wahrgenommenem und eigener Erfahrung und auch Aufforderung, das Vorgefundene um das Dazu-Gedachte zu erweitern.

Michael Craig-Martin (geb. 1941 in Dublin)

"I am trying to present objects in the simplest way possible, and I don’t want to supply too much context. All the basic information should be in the object itself. The viewer brings all additional information to the image. Many of these objects are mass manufactured. They are essentially impersonal, but if you own one, it’s very personal. The identifying personal association with these objects, which are not personal, is an important modern experience − our real association, the strands of our feelings about the objects that surround us. It’s also because they are so familiar, we don’t think of them as important in the world, but actually they are the world. We are living in a very material world."
Michael Craig-Martin, 1941 in Dublin geboren, ist einer der wichtigsten Künstler der englischen und irischen Kunstszene. Er wuchs in den Vereinigten Staaten auf und studierte dort an der Yale University, verbrachte jedoch die meiste Zeit seines Lebens in Großbritannien. Von 1974-1988 lehrte er am Goldsmiths College London. Zu seinen Schülern gehörten unter anderen Liam Gillick, Damien Hirst und Julian Opie.
Er entschied sich, reale Objekte zum Gegenstand seiner Kunst zu machen. Es handelt sich um schlichte Anordnungen alltäglicher Gegenstände, die in der Absicht ausgesucht wurden, über eindimensionale Interpretationen hinauszugehen. Es sind Objekte unserer Zeit, gleichzeitig aber wirken sie zeitlos in ihrer auf die Linie und Farbe reduzierten Form.
In seinem Werk finden sich immer wieder auch Bezüge zu Designobjekten und kunsthistorischen Vorlagen.
Die in der Ausstellung gezeigte Computeranimation "Deconstructing Seurat" zeigt Georges Seurats "Badende bei Asnières" (1884). Durch seine bildnerische Methode verdichtet Craig-Martin Seurats Dualität von Linie und Farbe und reduziert das Abbild auf die Umrisslinie und eine monochrome Farbgebung. In den graphischen Folgen "Art & Design" und "Objects of our time" sind in einfacher Linienführung (seinem Markenzeichen) und Popart-Farben Designklassiker, Kunstwerke und Alltagsgegenstände zu sehen.

David Hockney (geb. 1937 in Bradford, Yorkshire)

"What an artist is trying to do for people is bring them closer to something, because, of course, art is about sharing: you wouldn’t be an artist unless you wanted to share an experience."
David Hockney zählt zu den einflussreichsten europäischen Künstlern der Gegenwart. Berühmt wurde er vor allem durch seine "Swimming Pool"-Gemälde der 1960er Jahre, seine einfühlsamen Porträts von Freunden und seiner Eltern, seine Stillleben oder Landschaftsbilder, seine Fotocollagen und Bühnenbilder. Die Landschaftsmalerei, eher ein Stiefkind der Gegenwartskunst, ist in den zurückliegenden Jahren geradezu ins Zentrum seines Schaffens gerückt, wie eine bemerkenswerte Ausstellung im Museum Ludwig Köln zeigte. Was auf den Besucher einstürmte, war ein wahres Farbenfestival.
Hockney war stets für neue Techniken aufgeschlossen. Früh verwendete er für seine Arbeit Polaroid-Bilder oder nutzte Farbkopierer und Faxgeräte. Neben der traditionellen Malerei experimentiert er seit Jahren mit Bildschirm-Zeichnungen. Mit iPhone und iPad schafft er Bilder, die eine starke, farbige Lebendigkeit ausstrahlen. Die großformatigen tintenstrahlgedruckten Computerzeichnungen der Ausstellung belegen dies. Die "Lillies" (Farblithographie von 1971) und die anderen druckgraphischen Arbeiten zeigen wie meisterhaft er die druckgraphischen Techniken beherrscht.

Patrick Hughes (geb. 1939 in Birmingham)

"My philosophy is paradox. I am of a logical cast of mind, and find common sense hopeless. Philosophers have found paradox cropping up at the crux of every enquiry, and have tried to explain away this vicious circularity. I embrace the contradictory and celebrate the paradoxical. A paradox to me is like a pearl."
Wahrnehmung von Illusion und Wirklichkeit ist ein Hauptthema der Kunst von Patrick Hughes. Als Maler des Paradoxen hat sich der englische Künstler, 1939 in Birmingham geboren, einen internationalen Ruf geschaffen.
Seine gemalten Reliefs sind "sich bewegende" Bilder, die die umgekehrte Perspektive ("Reverspective") als Mittel einsetzen. In illusionistischen Kompositionen konfrontiert er den Betrachter mit dem Spiel sich ständig verändernder Perspektiven. Die Umkehrung der herkömmlichen soll dem Betrachter zeigen, wie festgefahren unsere Sehgewohnheiten sind - die perspektivische Prägung des Menschen ist so stark, dass sie alle anderen Raumerfahrungen negiert.
Patrick Hughes‘ Methoden erscheinen paradox und sind dabei dennoch von bestechender Konsequenz. Seine Werke sollen überraschen, irritieren und anregen, nachzudenken; das Bewusstsein für Raum und Bewegung sensibilisieren.
Die bevorzugten Motive seiner Gemälde und Multiples sind Architekturansichten, wobei eine Vorliebe für Gemäldegalerien und Kombinationen von Türen und Landschaftsansichten zu erkennen ist. Neben den auf Holz gemalten Unikaten gibt es in der Galerie zahlreiche Multiples zu sehen.

Julian Opie (geb. 1958 in London)

"I want to strip things down, to look at them for what the really are …"
Julian Opie, 1958 in London geboren, gehört seit fast drei Jahrzehnten zu den bedeutendsten Vertretern der englischen Gegenwartskunst. Opies unverkennbare Bildsprache besteht in der Reduktion individueller Merkmale der menschlichen Figur auf wenige Linien. Das Subjekt wird auf charakteristische Eigenarten der Physiognomie reduziert. "Für jede Person, die ich zeichne, versuche ich ein universelles Symbol zu schaffen",prägnanter hätte Julian Opie das eigene Schaffen nicht charakterisieren können. In seinen Arbeiten lotet er ganz bewusst die Grenzen der Stilisierung aus, was vor allem in den "bewegten" Lentikularobjekten deutlich wird. Hier werden hoch aufgelöste Bilder im Rechner in einem komplexen Prozess miteinander kombiniert. Die so erzeugte Bildstruktur wird nun mit extrem hoher Passgenauigkeit spiegelverkehrt von hinten auf das Lentikularmaterial gedruckt. In seinen neuen Arbeiten bringt Opie in diese reduzierten Personendarstellungen als neues Moment die Bewegung ein. Hierfür arbeitet er mit Flachbildschirmen oder Displays, auf denen die computergesteuerten Animationen eine permanente fließende Bewegung zeigen. Ein surrealistischer Effekt ergibt sich aus der Raumlosigkeit der Darstellung, die als einzigen räumlichen Bezug die Einfassung der Displays hat. In der Ausstellungen sind Farbsiebdrucke, Lentikularobjekte, Tintenstrahldrucke, ein C-print auf Kunststofffolie sowie Computeranimationen zu sehen.
In all den in der Ausstellung gezeigten Arbeiten vereinen sich meisterhafte Perfektion und technisches Können sowie der Genuss des Sehens, des Wissens und des Denkens.

Sie können sich alle Exponate der Ausstellung hier ansehen - Michael Craig-Martin

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Sie können sich alle Exponate der Ausstellung hier ansehen - Julian Opie

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14.04.–21.05.2016

MAX NEUMANN

– Arbeiten auf Leinwand und Papier

Zur Eröffnung am Donnerstag, den 14. April 2016 um 19.00 Uhr
laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein.

Der Künstler ist anwesend.

Zeitgleich zeigen wir im Studio der Galerie bis zum 14. Mai 2016:
JOAN MIRÓ
– Bronzeplastiken und Arbeiten auf Papier"

Die Galerie nimmt vom 14. bis 17. April 2016
an der ART COLOGNE 2016 (Koelnmesse) teil.

Pressetext zur Ausstellung (linke Maustaste – online durchblättern oder
rechte Maustaste downloaden – Empfehlung: downloaden) – der Text ist als
PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden.

Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter
folgender Adresse downloaden: http://www.adobe.de.

Max Neumann

- Arbeiten auf Leinwand und Papier

Max Neumann, 1949 in Saarbrücken geboren, studiert bildende Künste in Saarbrücken, Karlsruhe und in Berlin. Seinen Durchbruch gelang ihm in der Berliner Kunstszene Ende der 1970er Jahre. Auch außerhalb Deutschlands stößt sein Werk auf Interesse – davon zeugen zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in diversen Ländern, wie etwa in Frankreich, Spanien, Italien, in den USA oder in Japan.

Max Neumanns Bilder zeichnet eine mystische und zugleich kontemplative Grundstimmung aus. Sehr bewusst gibt Neumann seinen Bildern selten einen Titel: Nichts soll dem Betrachter als Vorlage für eine mögliche Interpretation dienen. Die auf den ersten Blick figurativen Bilder – deren Motiv-Repertoire aus bestimmten Formen, Figuren und Dingen, sich in seinem Gesamtwerk stets wiederholt – entziehen sich jedoch bei einer näheren Betrachtung einer „narrativen Bedeutung“(1). Charakteristisch für seine Arbeiten sind dabei vor allem seine anonymisierten, wie Schattenspiele wirkenden Menschen und Köpfe – oft ohne Nase, Augen oder Mund – wie sie in unserer Ausstellung in verschiedenen Versionen zu sehen sind. Dieses ‘Dunkle‘, das Neumanns Bilder ausmacht, wird jedoch weniger durch den Inhalt oder deren Sinn(gehalt) evoziert, sondern vielmehr durch das „WIE“(2), das heißt durch die Technik, die Form und die Komposition der Bilder.

Eine wesentliche Rolle spielt dabei auch die Wahl der meist gedeckten Farben: Schwarz, Beige, Ocker, Braun, Grau, oft ein dunkles, aggressives Rot und manchmal ein stumpfes Grün. Insbesondere das Schwarz ist in fast allen seinen Werken präsent. Ein „tiefes und üppiges Schwarz, unverständlich und beruhigend zugleich. […] Versteht man die Schwärze richtig, so erfasst man sehr viel leichter die Ambiguität eines Universums, in dem in der Zärtlichkeit Kraft steckt, in der Angst ein Lachen, in der Düsternis Poesie.“(3) In seinen neueren Arbeiten mischt sich unter dieser Schwerfälligkeit eine ausgleichende Leichtigkeit, die sich insbesondere durch die Wahl der Farben und des Farbauftrages kenntlich macht. Hier finden wir z.B. ein helles Blau, leichtes Rosa, helle Grüntöne, Flieder oder ein blasses Gelb – alle samt nahezu transparent aufgetragen. Sie stehen im Kontrast zu den noch immer präsenten und dominierenden dunklen Tönen, die eine melancholische Stimmung auslösen.

Bestimmend für die Wirkung seiner Bilder ist zudem der gewählte Bildaufbau, in dem die Zuordnung der Farbflächen, Figuren und Formen zueinander ein Gleichgewicht erzeugen. Max Neumann tastet sich im Schaffensprozess zunächst völlig unbedarft an die Leinwand ran; er lässt sich von der wässrig aufgetragenen Farbe leiten und die Hand ihren Weg finden. Erst wenn eine erste klare Linie zu erkennen ist, setzt der intellektuelle und bewusste Prozess ein, der zu jenem Gleichgewicht führt.(4) Diese Ausgewogenheit in der Komposition steht im Kontrast zu der Unruhe in der Oberfläche, die zuweilen partiell schraffiert oder gerastert ist.

Durch diese Gegensätze in Form, Farbe, Bildaufbau und Oberflächengestaltung wirken die Bilder oft ambivalent, zugleich ruhig und unruhig, zart und kräftig. In dieser Schwierigkeit sie zu ‚fassen’, sie zu interpretieren, liegt eben auch ihr Reiz und ihre Stärke, denn wie Joachim Sartorius konstatiert, werden sie zu „inneren Orten“(5), in denen jeder Betrachter durch seine eigene Deutung sein eigenes Ich wiedererkennt. In diesem ‘WIE‘ steckt aber eben auch die Tiefe, das Intellektuelle, die Dichtung und die Musik, die Max Neumann in sich aufgezogen hat und in seinen Bildern verarbeitet, und die seinen Werken dieses spürbare Kontemplative geben.

Die Ausstellung zeigt insgesamt ca. 25 Arbeiten auf Leinwand und Papier, überwiegend aus den letzten Jahren. Einige frühere Arbeiten aus den Jahren 2004-2005 machen die oben beschriebene Entwicklung der Farbgestaltung deutlich. Und auch Neumanns Intention, seinen Bildern jegliche Interpretationsgrundlage zu entziehen, wird in dieser Ausstellung eingelöst: Keine der hier gezeigten Werke haben Titel. Sie laden dazu ein, in sie einzutauchen und mit ihnen in einen Dialog zu treten.

(1), (2), (3) (4) Heinz Peter Schwerfel: „Max und die Seelenwanderer“, in: Carnets de Voyage, "Max Neumann, Peintures et gravures",Maeght Editeur, Paris 1995; zu (2) Vgl. auch Joachim Sartorius, "Engführung, Intensität - Zu neuen Werken von Max Neumann",in: catalogue "Max Neumann - Peintures et Dessins",Musée d´Ixelles, Brussels 2004
(5) Sartorius, Joachim: „Die inneren Orte des Max Neumann“, in: Ausstellungskatalog „Max Neuman“ der Fundación Antonio Pérez/ Diputación de Cuenca, Cuenca 2010

Sie können sich fast alle Exponate der Ausstellung hier ansehen.

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"Das Unbewegliche beeindruckt mich. [ … ]
Diese Dinge bewegen sich nicht, aber meine Phantasie bewegen sie sehr."
Joan Miró

14.04.–14.05.2016 (im Studio)

JOAN MIRÓ

(Barcelona 1893 - 1983 Palma de Mallorca)

– Bronzeplastiken und Arbeiten auf Papier

Zur Eröffnung am Donnerstag, den 14. April 2016 um 19.00 Uhr
laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein.

Zur Ausstellung erscheint ein kleiner Katalog.
Für den Betrag von Euro 5 senden wir Ihnen den Katalog im Inland gerne zu.
Der Katalog ist ebenfalls in der Galerie Boisserée erhältlich.

Außerdem haben Sie hier auch die Möglichkeit den Katalog als PDF virtuell durchzublättern (linke Maustaste - online durchblättern oder rechte Maustaste downloaden - Empfehlung: downloaden) - der Katalog ist als PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden. Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter folgender Adresse downloaden:http://www.adobe.de.

Alternativ können Sie sich den Katalog als ISSUU (e-publication) online anschauen.

Zeitgleich zeigen wir in den Haupträumen der Galerie bis zum 21. Mai 2016:
MAX NEUMANN
– Arbeiten auf Leinwand und Papier

Die Galerie nimmt vom 14. bis 17. April 2016
an der ART COLOGNE 2016 (Koelnmesse) teil.

Pressetext zur Ausstellung von Joan Miró (linke Maustaste – online durchblättern oder
rechte Maustaste downloaden – Empfehlung: downloaden) – der Text ist als
PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden.

Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter
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JOAN MIRÓ - Bronzeplastiken und Arbeiten auf Papier

Nach der letzten, viel beachteten Ausstellung von Joan Miró im Jahr 2012, zeigt die Galerie Boisserée anlässlich der 50. ART COLOGNE eine kleine, museale Studio-Ausstellung mit 4 Bronzeplastiken sowie 16 Gouachen und Zeichnungen des katalanischen Künstlers.

Glanzpunkte der Ausstellung sind zwei Bronzen aus dem Jahre 1981, "Oiseau sur une branche" (Vogel auf einem Ast) und "Jeune fille au soleil" (Junges Mädchen in der Sonne). Beide Plastiken lassen den Betrachter die große Phantasie und die künstlerische Kreativität Mirós zu dieser Zeit spüren, der seine Bronzen oft aus und mit "objets trouvés",d.h. zufällig gefundener (Gebrauchs-) Gegenständen konzipierte.

Unter den Papierarbeiten befindet sich u.a. eine frühe Gouache ohne Titel aus dem Jahr 1959, die Miró als Entwurf für den Umschlag des Buchs "Constellations" schuf. Bei den kleinformatigen, farbigen Zeichnungen aus den Jahren 1957 bis 1978 stechen besonders zwei lyrisch anmutende Wachskreidezeichnungen auf Karton hervor, die "Paysage dans la nuit" (Landschaft bei Nacht) und "Femme" (Frau), die von großer malerischer Sensibilität sind.

Zudem fasziniert den Betrachter besonders eine Gruppe von im Handel seltener anzutreffenden, kleinformatigen und schlichten Bleistiftzeichnungen auf Papier oder Wellpappe (eine entstand auf der Rückseite eines Briefumschlages). Oft wird dem Betrachter der Inhalt der Zeichnung nur über deren Titel entschlüsselbar gemacht, wie z.B. bei der Arbeit " Chien" (Hund), "Femme" (Frau) oder "Homme et femme" (Mann und Frau).

Einige Exponate der Ausstellung werden auch während der ART COLOGNE vom 14.04. – 17.04.16 auf unserem Stand B-38 in Halle 11.1 zu sehen sein.

Zur Ausstellung erscheint ein kleiner Katalog, der im Inland gegen eine Gebühr von Euro 5 auf Wunsch verschickt werden kann.

Sie können sich alle Exponate der Ausstellung von Joan Miró hier ansehen.

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14.04.–17.04.2016

Teilnahme
ART COLOGNE 2016

koelnmesse

Halle 11.1 Stand B 038

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"Wenn ich einen roten Punkt links mache,
dann mache ich den roten Punkt rechts nicht, sondern einen grünen.
Und wenn ich oben links ein Dreieck male, mache ich garantiert rechts unten keins.
Ich ordne eigentlich alles, was ich tue, nach dem Prinzip der Disharmonie,
nach dem der Unausgewogenheit, nach dem der Zerstörung.
Und das Unglück, wirklich das große Unglück, die Harmonie stellt sich ein, immer wieder so [ … ].
Ich entwickle [ … ] Ordnung über die Disharmonie des Ornaments."

Georg Baselitz
(Georg Baselitz im Gespräch mit Heinz Peter Schwerfel, 1989)

30.01.–19.03.2016

GEORG BASELITZ

(geb. 1938 in Deutschbaselitz)

– Arbeiten aus dem graphischen Œuvre und Arbeiten auf Papier

Zur Eröffnung am Samstag, den 30. Januar 2016 um 11.00 Uhr
laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein.

Es spricht:
Dr. Fritz Emslander, Stellv. Direktor
und Leiter Grafische Sammlung Museum Morsbroich Leverkusen

Bitte beachten Sie, dass die Galerie über Karneval
vom 4. bis 9. Februar 2016 geschlossen bleibt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Für den Betrag von Euro 10 senden wir Ihnen den Katalog im Inland gerne zu.
Der Katalog ist ebenfalls in der Galerie Boisserée erhältlich.

Außerdem haben Sie hier auch die Möglichkeit den Katalog als PDF virtuell durchzublättern (linke Maustaste - online durchblättern oder rechte Maustaste downloaden - Empfehlung: downloaden) - der Katalog ist als PDF Datei abgelegt und kann mit dem Adobe Reader gelesen werden. Sollten Sie den Adobe Reader nicht installiert haben, können Sie diesen unter folgender Adresse downloaden:http://www.adobe.de.

Alternativ können Sie sich den Katalog als ISSUU (e-publication) online anschauen.

Pressetext zur Ausstellung von Georg Baselitz (linke Maustaste – online durchblättern oder
rechte Maustaste downloaden – Empfehlung: downloaden) – der Text ist als
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GEORG BASELITZ - Arbeiten aus dem graphischen Œuvre und Arbeiten auf Papier

Unser langjähriges Engagement für die Druckgraphik führt zwingend zu einer ersten Ausstellung der graphischen Arbeiten von Georg Baselitz, den man zu Recht zu den großen peintres-graveurs der zeitgenössischen Kunst zählen darf.

Georg Baselitz, am 23.1.1938 in Deutschbaselitz geboren (eigentlich Hans-Georg Kern, seit 1961 Georg Baselitz), lebt heute am Ammersee und in Salzburg. Sein Studium in der DDR muss wegen "gesellschaftlicher Unreife" bereits nach zwei Semestern abgebrochen werden. 1957 setzt er es in Westberlin, wohin er 1958 auch endgültig umzieht, bei Hann Trier fort.

Schon früh sucht Baselitz nach einem eigenen Auftritt. Er gilt als eigenwilliger und radikaler Künstler, als unbequemer Zeitgenosse von großer Singularität, der Disharmonie liebt und mit Konventionen bricht – ein Rebell, der provozieren will. Bereits im Jahr 1962/63 führt sein Bild "Die große Nacht im Eimer",welches einen masturbierenden Jungen darstellt, im Museum Ludwig in Köln zu einem Eklat. 1969 entsteht sein erstes Bild in der Motivumkehr "Der Wald auf dem Kopf". Ab den 1970er Jahren wird er mit seinen "umgekehrten Bildern" weltweit bekannt. Seine Arbeiten befinden sich heute in zahlreichen internationalen Sammlungen.

Baselitz gilt als leidenschaftlicher Graphiker, dem es fern liegt, bereits formulierte Bildideen graphisch zu reproduzieren. Vielmehr will er in seinem graphischen Œuvre mit den verschiedenen Techniken des Hoch- und Tiefdrucks schöpferisch experimentieren. Mit seinen Radierungen, Kaltnadelarbeiten sowie den Holz- und Linolschnitten auf Papier erreicht er eine ganz eigene Materialität und Oberflächenpräsenz, die sein graphisches Œuvre auszeichnen.
Gerade die Radierungen von Georg Baselitz sind vergleichbar mit Selbstbeschreibungen oder Selbstreflexion – wie Tagebuchblätter, aber nicht geschrieben, sondern direkt in die Kupferplatte oder in den Wachsgrund gezeichnet. Bei der Graphik wird die Bildfindung durch den graphischen Prozess, das Einbringen der Zeichnung in die Druckplatte, bedingt durch den Widerstand des Druckträgers (Holz, Kupfer oder Linoleum) verlangsamt. Das führt dazu, dass der Prozess des Malens als Erfahrung lesbar wird. Das Ergebnis der Arbeit kann erst nach dem Druck begutachtet werden.

Unsere Ausstellung umfasst über 50 graphische Arbeiten aus den letzten 25 Jahren, ergänzt durch einige Arbeiten auf Papier.